Discography | Eliane Reyes

Intégrale des valses | Frédéric Chopin

Label : Azur classical

« Poète du clavier, Eliane Reyes libère une sensibilité au diapason de la rêverie. Son jeu subtil, intérieur allie l’éclat de la structure, des lignes architecturales et le raffinement d’un fabuleux colorisme. Dans le perlé de son chant, les quatre éléments viennent au jour, lignes d’eau et d’air se métamorphosant en crêtes de feu et en nappes terrestres. Dans ces éblouissantes valses à mille temps, Eliane Reyes nous transporte dans la magie de l’enfance des choses » Véronique Bergen

« Ecoutez les valses de Chopin interprétées par Eliane Reyes, fermez les yeux, et laissez vous emmener dans la beauté cristalline de chacune des ces 19 pièces. De l’allégresse à la mélancolie, du scintillement à la gravité, la virtuose nous entraîne au gré de l’adhésion intime qu’elle nourrit depuis l’enfance avec le grand musicien romantique. » Jean Jauniaux

Nicolas Bacri | Piano Music

Prélude et fugue op. 91 | Sonate n°2 op. 105 | Diletto classico op. 100 n°1, 2 et 3 | Deux Esquisses lyriques op. 103 | Petit prélude | L'Enfance de l'Art op. 69 n°1 | Petites variations sur un thème dodécaphonique op. 69 n°3

Label : Naxos

EVIDENCE ET CLARTÉ, LE B.A.-BA DE BACRI
classiqueinfo-bacri
Abandonnez toute prévention envers la musique contemporaine, et laissez-vous porter par les étapes de ce voyage à travers l’histoire que propose la musique de piano de Nicolas Bacri. Loin de toute perte de repère, les points d’appuis sont nombreux qui permettent de trouver des chemins dans une vision élargie de la tonalité, et dans un jeu de références multiples embrassant plusieurs siècles de pratique musicale tout en conservant à ces reflets d’une modernité bien comprise, un caractère intemporel. La lecture d’Eliane Reyes, d’une précision et d’une humilité saisissantes, apporte à l’ensemble un caractère d’évidence teinté d’une nostalgie élégiaque qui exclut toute sécheresse qu’on serait tenté de discerner dans l’usage d’un contrepoint strict, si rare et maîtrisé pour un compositeur de l’école française, reconnaissable à la clarté et à la concision de l’expression.

Le Diletto Classico, qui porte le numéro d’opus 100, révélateur de la productivité d’un compositeur qui atteint tout juste le demi-siècle, est un ensemble de pastiches (en quelque sorte proustiens comme dans Les Plaisirs et les jours, « recherche d’approfondissement de son propre style à travers l’hommage à une forme d’expression révolue » écrit Bacri), épousant la forme d’une Suite baroque, naturellement évocatrice de Bach, particulièrement à travers la Gigue fuguée qui la conclut, mais dont l’Aria ferait un détour par Jaques Ibert, d’une Sonatine classique dans la veine d’Harold Shapero, elle aussi conclue par une fugue diatonique un peu à la manière de Maurice Emmanuel, mais faisant par sa Gavotte un clin d’œil appuyé à Prokofiev et Tischenko, le tout couronné par un Arioso baroque introduit par un balancement à la Satie et sa fugue monodique, véritable tour de force reposant sur un ostinato qui n’apparaît qu’en conclusion. En dépit des références formelles, ces miniatures sont bien des produits du siècle neuf, osant des dissonances qui s’intègrent comme par magie à une harmonie classique, magie du toucher délicat et chantant d’Eliane Reyes, attentive à toutes les subtiles variations rythmiques et n’usant qu’avec parcimonie du jeu de pédale du piano moderne comme si elle aussi pastichait des techniques issues du clavecin, voire par endroits du violoncelle seul.

Cette simplicité et ce naturel se poursuivent dans les Esquisses lyriques, pièces admirables ne serait-ce que par cette qualité fort rare chez les compositeurs contemporains que même un pianiste amateur pourrait grâce à leur syntaxe sans surcharge ni virtuosité d’occasion, être tenté d’essayer chez soi et réussir peut-être à en tirer une impression gratifiante, comme de ces cahiers « pour enfants » si répandus dans l’école russe.

C’est encore le cas de L’Enfance de l’Art, ensemble de Nocturnes et d’Improvisations appartenant aux débuts de la carrière de Nicolas Bacri où l’on croirait entendre une sorte de Berg dépouillé, dont la stricte atonalité ne nuit ni au lyrisme, ni au mystère comme dans les prophétiques Clairs de Lune de Decaux. Plus difficile d’accès peut-être, ces constructions diaphanes sur les ruines d’un impressionnisme démembré, disséqué par un scalpel analytique, sont autant de Jeux d’eaux et de Nuages gris qui ne s’élèvent que rarement au-dessus du mezzo-forte, ne s’autorisant qu’au final un cri vite étouffé dans un accord mineur. On distinguera dans cet ensemble une merveilleuse petite Valse qui semble un exemple unique de mariage réussi entre rythme classique et harmonie hors-tonalité.

Les Petites variations sur un thème dodécaphonique appartiennent au même opus 69 : au départ d’une économie webernienne, elles s’orientent non sans humour vers des éclats de fanfare ou d’orphéon, avant de se dissoudre dans un immobilisme résigné, réservant toujours une surprise, un détour inattendu, producteur d’images, quand bien même on entre dans le domaine de la musique pure et d’un jeu intellectuel qui n’ignore jamais la dimension sensible, parvenant à toucher juste, au moment où commence à naître l’impression qu’on pourrait s’éloigner du domaine de la sensation.

Sans renoncer tout à fait aux formes brèves, on trouve au début de ce disque deux morceaux d’une toute autre ambition, et qu’on a avec raison placé en tête, tant on demeure ébahi de l’autorité qui s’y manifeste dans le maniement des formes classiques : le Prélude et fugue ne souffre en aucun cas de son origine en tant que morceau de concours. Cette grande arche de cinq minutes seulement expose avec solennité un thème en mineur qui progresse douloureusement vers la lumière d’un ut majeur radieux, empruntant les chemins d’un postromantisme méditatif où l’on croit entendre l’orgue à travers la répétition d’une cellule rythmique s’élevant d’un récitatif dépouillé à une apothéose en forme de toccata festive dans un élargissement final du tempo qui contredit la strette attendue. C’est pourtant bien le piano qu’on entend, dans toutes les subtilités de sa dynamique et l’étendue de son registre, allant chercher l’effet dramatique comme la jubilation de maîtriser l’organisation du chaos dans un accord parfait similaire à la surprise du prélude de La Création de Haydn.

La Sonate pour piano n°2 avoue par sa forme cyclique le rapport qu’elle entretient avec la Sonate de Liszt. Cette forme en trois sections transforme le matériel désolé (à la Chostakovitch) de son Adagio doloroso initial, repris dans le trio d’un scherzo haletant dont les octaves brisés font songer au finale des Etudes en mètres variables de Boris Blacher, pour s’épanouir en un finale qui recourt de nouveau à la fugue, entretenant un rapport ambigu avec la sonate d’église comme avec le néo-sérialisme de la Sonate de Barber. Et voilà qu’au milieu de ce finale surgit soudain une base de rythme jazz rappelant Hungarian Rock de Ligeti, dont s’extirpe dans un trille continu le motif de quarte descendante du Prélude à la nuit de Ravel, aboutissant à une récapitulation en mouvements contraires couvrant tous les octaves du piano ponctuée d’une simple tierce descendante mineure : un moment époustouflant, au premier sens du terme, à couper le souffle, et qui devrait faire date dans la littérature de piano.

Cette Sonate, dédiée à Julien Quentin, créateur de la première version et portant désormais l’inscription in memoriam Kenneth Leighton, trouve pour sa version révisée de 2010 en Eliane Reyes l’interprète idéale, d’une justesse d’intention et d’une ardeur exemplaires dans cette marche forcée en avant, tellement renversante qu’il est difficile de passer à la suite sans un long silence. On constatera que la poésie déchirante de l’Adagio initial était déjà en germe dans les pièces de jeunesse plus conformes à l’esthétique post-sérielle, raison pour laquelle elles demeurent toujours vivantes à plus de trente années d’écart ; ce disque (pourvu d’une notice brève mais éclairante), porte d’entrée idéale dans l’esthétique d’un compositeur contemporain qui a trouvé la voie d’une évolution propre et originale, est aussi celle susceptible de donner accès au cœur du public.

Source : classiqueinfo-disque.com

Alexandre Tansman - 24 Intermezzi | Petite Suite | Valse-Impromptu

Label : Naxos

12 janvier 2011 - Courriel

A PROPOS DU CD TANSMAN, PAR MARIANNE TANSMAN

Chère Eliane,

Finalement j’ai pu écouter ce matin le CD des « intermezzi » dont l’envoi par Mireille a du etre retardé par la neige. J’en ai eu les larmes aux yeux. J’avais déjà écouté à Paris un premier « master » qui m’avait fort impressionnée ! Mais ce CD est vraiment exceptionnel.

Vous avez saisi chaque pièce avec une telle intelligence, sensibilité et quel toucher à la fois harmonieux, imperceptible, fort et puissant, autoritaire et brutal, là où il le faut. Ce sont bien sur des morceaux si variés, chacun ayant un caractère différent tout en restant bien tansmaniens, parfois tragiques, parfois malicieux et parfois imposants. Comment vous remercier pour votre bravoure, votre tour de force que l’on sent si passionné dans son étude, dans les journées passées à déchiffrer, à comprendre l’état d’ame de chaque pièce.

Ne parlons pas de la virtuosité, de ces doigts si agiles et délicats et aussi si adroits et puissants ! A voir la photo, vous semblez un petit bout de femme (Mireille m’a dit que vous aviez un air de petite fille ravissante !); d’où tirez-vous toute cette force, cette fatigue aussi ? Ma mère aussi, excellente pianiste tout comme mon père, petit aussi et presque transparent tant il était fin, était un petit bout de femme.

Marianne Tansman

Alexandre Tansman - Piano Music

Balles 1,2,3 | Arabesques | Suite dans le style ancien | Cinq Impressions | Eight Cantilenas

Label : Naxos

Dès son arrivée à Paris en 1919, Alexandre Tansman, né en Pologne en 1897, fit partie de la jeune génération des compositeurs français et son succès se développa rapidement en France comme aux Etats-Unis où sa musique était jouée par les plus grands. Il devint citoyen français en 1938. Cet album propose des pièces écrites pour le piano à diverses époques de sa vie. On y trouve les Ballades écrites pendant la guerre et qui font partie des ses compositions les plus personnelles, les Cantilènes en hommage à Bach et dédiées à Arthur Rubinstein. La Suite dans le style ancien sacrifie à une vogue très répandue à l’époque (voir le Tombeau de Couperin de Ravel, entre autres) qui se réfère à un certain âge d’or du clavier des 17 et 18es siècles. Par leurs titresArabesques et Impressions s’inscrivent dans la mouvance du début du siècle dernier, mais passées au filtre d’un langage résolument personnel, privilégiant le rythme et la couleur. La pianiste belge Eliane Reyes collectionne les récompenses pour ses enregistrements souvent consacrés à la musique française du 20e siècle et d’aujourd’hui. Son nouvel album constitue une parfaite introduction à l’art subtil et original d’un compositeur dont l’étoile, comme tant d’autres, a pâli et qu’il est urgent de reconsidérer. FH (QUOBUZ)

Sonatinas for clarinet & piano

Ronald Van Spaendonck, clarinet
Eliane Reyes, piano

Label : Outhere Music

Ronald Van Spaendonck et Eliane Reyes unissent leur talent pour un album entièrement constitué de sonatines pour clarinette et piano. Small is beautiful : la plus longue ne dépasse pas le quart d’heure, la plus courte ne dure que six minutes mais toutes sont finement ciselées, aucune insignifiante. L’entreprise, fortement originale, a suscité une nouvelle composition, une Sonatina lirica (2008) que Nicolas Bacri dédia au duo : mélodique et tonale, elle s’insère sans hiatus entre celle, très belle, de Martinů, un véritable concentré de son art (1956), et celle, poulencienne, de Pierre Sancan (1963). La très contrastée Sonatine que Malcolm Arnold composa en 1951 illustre quant à elle l’influence qu’eut le jazz sur ce compositeur qui gagnerait à être mieux connu.

Deux Belges, exactement contemporains, figurent au programme : qui, en dehors de leur pays d’origine, connait Raymond Chevreuille et Marcel Poot ? Le premier mena une discrète carrière de compositeur, occultée par ses activités à l’INR de 1936 à 1966. Paul Collaer voyait pourtant en lui le meilleur compositeur belge de son temps. Il écrivit en 1970 une Sonatine sérieuse, dense, peut-être la moins immédiatement séduisante du disque. Le second fut promu aux plus hautes fonctions : SABAM, INR, Conservatoire de Bruxelles, Chapelle musicale et Concours Reine Elisabeth dont il présida le jury de 1963 à 1980. Son allure marqua l’esprit de nombreux fidèles de la manifestation printanière (pour les plus jeunes, les archives en font foi). Sa Sonatine (1965) est pour sa part plus malicieuse et pince-sans-rire. Celle de Joseph Horovitz (1981), réjouissante et touchante, referme cette délicieuse heure de musique.

Ronald Van Spaendonck extrait de sa Buffet -Crampon des sonorités somptueuses et épate par sa précision, sa gouaille et son infini sens des nuances. L’osmose est totale avec Eliane Reyes, accompagnatrice d’exception : son piano, savoureux et riche en détails, relance constamment l’intérêt de cet album pour amateurs de menus plaisirs et pour lequel Michel Stockhem a signé une notice (trilingue) aussi instructive que spirituelle.

Sébastien Foucart - Website : www.concertonet.com

Quand Ronald Van Spaendonck, un de meilleurs clarinettistes d’aujourd’hui, s’intéresse à la sonatine, toutes les craintes liées à ce genre s’envolent. Et ce florilège alternant le connu et l’inconnu, classiques du XXe siècle et création du XXIe, nous transporte devant un formidable buffet de desserts plus succulents les uns que les autres. Esprit français, humour jazzy, charme bucolique et encanaillements malicieux, tout est réuni, y compris trois inédits au disque, pour faire passer un moment de bonheur complet aux amateurs de musique de chambre. Eliane Reyes se montre, tout au long des sept pages réunies ici, la digne partenaire d’un tel feu d’artifice.

Shostakovich - Sonates pour Alto et Piano

Pierre LENERT (viola)
Eliane REYES (piano)

Sonate opus 40 (transcription by Pierre Lenert) and opus 147

Label : Intégral classic

CHOSTAKOVITCH: SONATES POUR ALTO ET PIANO (PIERRE LÉNERT, ÉLIANE REYES)
Par Patrick Loiseleur le dimanche 19 février 2012, 20:10 – Disques – Lien permanent

Annoncé dans un précédent billet, le disque de Pierre Lénert (alto) et Éliane Reyes (piano) consacré à Dimitri Chostakovitch est maintenant dans les bacs. Il permet d’entendre la sonate pour violoncelle et piano opus 40 dans une transcription de Pierre Lénert, ainsi que la sonate opus 147.

Quarante ans séparent ces deux sonates. L’opus 40 est l’oeuvre d’un musicien encore jeune (il a 28 ans), qui a déjà trouvé son style et rencontré un certain succès avec ses opéras, et pas encore subi les horreurs du stalinisme et de la guerre. Elle oscille entre un certain lyrisme post-romantisme (surtout dans le premier mouvement) et une ironie grinçante et désabusée. En quatre mouvements, elle conserve les formes traditionnelles (premier mouvement de forme sonate, scherzo de forme ABA) et le style tonal, avec une certaine distance tout de même. Nous sommes en 1934, et l’auteur semble reconnaître dans cette oeuvre la vanité des épanchements romantiques, tout en paraissant les regretter un peu.

L’adaptation pour alto consiste principalement à choisir pour chaque passage si on le joue à la même octave que le violoncelle ou bien une octave plus haut. Question assez délicate au demeurant, car Pierre Lénert avec qui j’ai pu parler un peu de ce projet m’a confié qu’il avait été très attentif à préserver les intervalles (la partition comporte quelques sauts de grand ambitus). Par ailleurs on ne peut pas jouer tout à l’octave supérieure, non à cause de la difficulté technique mais parce qu’il faut permettre à l’alto de chanter dans le grave et le medium là où ça a du sens. Finalement, la seule chose qui compte est que le résultat sonne aussi bien qu’une sonate écrite pour l’alto; ce qui dépend à la fois du matériau de départ, de la transcription et de l’interprétation. En l’occurrence, ces conditions ont l’air réunies car le résultat est tout à fait convainquant à l’oreille. Cette sonate opus 40 peut donc à mon avis enrichir le répertoire des altistes qui n’est pas pléthorique et comporte déjà nombre de transcriptions comme l’opus 120 de Brahms ou la sonate « Arpeggione » de Schubert.

L’opus 147 est la toute dernière oeuvre de Chostakovitch: écrite en juillet 1975 et dédiée à l’altiste Fiodor Droujinine (élève de Borissovsky, qui avait remplacé son maître depuis quelques années au sein du quatuor Beethoven), elle a été créée de façon posthume le 25 septembre 1975. Dans cette Sonate dont le dépouillement austère me fait penser au dernières pièces pour piano de Liszt, Chostakovitch n’a plus rien à prouver, mais encore tellement de choses à dire. C’est une oeuvre atonale (comme le 12e quatuor, elle commence par une série de 12 sons au piano), composée en fait de trois mouvements lents. Seul le début de l’Allegretto central est un peu animé. Toute la difficulté pour les interprètes est là: comment maintenir l’attention du public durant les trente minutes de cette élégie qui tourne souvent au soliloque de l’alto, comme les derniers quatuors dy même Chostakovitch ? Dès le début, l’alto fait entendre des pizzicatos un peu mécaniques sur des cordes à vide, comme s’il était privé d’énergie et d’idées avant même de commencer.

Dans le travail de l’interprète, il y a ce qu’on fait pour restituer la partition et surmonter les difficultés techniques; et il y a aussi ce qu’on apporte de personnel, d’intime, ce qu’on n’explique pas et qui permet de passer la barrière de l’émotion afin de parler le langage le plus direct et le plus profond. Bien qu’il soit mort quelques mois avant ma naissance, c’est vraiment Chostakovitch que j’ai eu l’impression d’entendre le 10 février dernier en écoutant Pierre Lénert et Éliane Reyes: non parce que les musiciens s’effaçaient devant la partition, mais au contraire parcequ’ils acceptaient de l’investir totalement, de lui donner corps et âme. Un engagement que je retrouve dans le disque que j’ai écouté par la suite. Pierre Lénert a un jeu très sûr, une sonorité chaleureuse et une grande élégance qui nous conduisent dans ce paysage triste et désolé de la dernière sonate de Chostakovitch, son testament, son adieu au monde, d’autant plus poignant lorsqu’on sait qu’il ne croyait pas en une vie après la vie. Quand à Éliane Reyes, elle réalise un travail très fin sur le son du piano qui prend des couleurs graves pour mieux dialoguer avec l’alto. Ecoutons le début de l’Adagio où l’on voit défiler les souvenirs et les citations, à commencer par la Sonate « Clair de Lune » de Beethoven:

Les comparaisons discographiques ne sont pas trop ma tasse de thé, car elles se ramènent très souvent à une qualification uni-dimensionnelle d’une sémantique très pauvre (c’est moins bien / c’est mieux). Cependant j’ai tout de même ressorti l’enregistrement qu’Antoine Tamestit a réalisé récemment de la Sonate op 147 pour Ambroisie (couplé avec le concerto de Schnittke). La différence de personnalité des deux altistes français est assez frappante: Tamestit choisit un son plus fin, plus fragile, quasiment sans vibrato. Là où Pierre Lénert cherche la consolation dans un son plein et chaleureux, Antoine Tamestit nous invite à la chercher ailleurs, dans le rêve, dans le silence. Plus retenue, plus intérieure, cette sonorité n’est pas moins expressive:

Jusqu’où aller dans le dépouillement ? C’est peut-être la question centrale pour qui voudrait jouer cette Sonate, où Chostakovitch a confié à l’alto ses dernières pensées musicales. On peut se réjouir en tout cas de la voir servie par des interprètes d’un tel niveau de perfection et d’engagem

Claude Debussy | Recueil Vasnier

Anne Renouprez, soprano
Eliane Reyes, piano
Yves Saelens, ténor

Label : Pavane

Insatiable Eliane Reyes! Après nous avoir entraîné dans l’univers pianistique du trop méconnu Alexandre Tansman (chez Naxos), elle nous emmène avec sa complice Anne Renouprez dans un programme de vingt-six mélodies du jeune Debussy. Ces mélodies sont l’oeuvre d’un Debussy autour de son vingtième anniversaire follement amoureux d’une dame de dix ans son aînée, mariée et mère de deux enfants. Les dédicaces en disent long sur leur relation: « A Madame Vasnier, ces mélodies, conçues en quelque sorte par votre souvenir, ne peuvent que vous appartenir, comme vous appartient l’auteur » et « A Madame Vasnier, la seule muse qui ne m’ait inspiré quelque chose ressemblant à un sentiment musical (pour ne parler que de celui-là) » ou encore « A Madame Vasnier, ces chansons qui n’ont jamais vécu que par elle et qui perdront leur grâce charmeresse si jamais plus elles ne passent par sa bouche de fée mélodieuse. L’auteur éternellement reconnaissant ». Ces amours dureront de 1881 à 1887 mais seront perturbées par les voyages de Debussy en Russie chez Nadejda von Meck, la mécène de Tchaïkovski, et par les mises en loge imposées par ses deux participations au Grand Prix de Rome. Et en 1887, la dernière dédicace, celle d’un Debussy qui n’hésite pas à s’orthographier A. de Bussy en utilisant l’initiale de son second prénom, Achille, sera plus platonique sinon froide: A Madame Vasnier, hommage reconnaissant. C’est trois ans auparavant, lorsqu’il reçoit le Prix de Rome en 1884, que le compositeur a fait relier pour sa maîtresse le recueil dit « recueil Vasnier », un recueil de treize mélodies sur des textes de Paul Verlaine, Théophile Gautier et Paul Bourget. On y trouve aussi la chanson espagnole (sur le texte de Alfred de Musset) qui nécessite la prestation d’un ténor en plus de la soprano. Anne Renouprez et Eliane Reyes ont choisi de débuter l’enregistrement par les douze mélodies sur des textes de Théodore de Banville et le concluent, après le recueil Vasnier, par l’Apparition sur les paroles de Stéphane Mallarmé. Debussy ne dispose pas encore de toute la palette d’expressivité dont il usera plus tard dans des œuvres comme Pelléas et Mélisande. Il y a donc comme un léger sentiment de répétition à l’écoute de cette heure de musique. Anne Renouprez a un registre medium superbement équilibré et sa complicité avec Eliane Reyes est patente. Un bel hommage à la jeunesse: celle du compositeur, Claude Debussy, d’abord mais aussi et surtout à la soprano, Anne Renouprez, et à la pianiste, Eliane Reyes.

Par Jean-Marie André – Website : www.crescendo-magazine.be

Jean-Marie Simonis | Couleurs croisées

Elisabeth Deletaille & Damien Pardoen (violons)
Eliane Reyes (piano)
Jean-Marc Fessard (clarinette et clarinette basse

Couleurs croisées pour violon et piano | Incontro pour violon et piano | Poème 1 pour violon et piano | Parcours pour deux violons | Séquences pour clarinette et piano | Fabliau pour clarinette basse et piano | Canzonette pour piano

Label : Kalidisc

Michel Lysight | Enigma

Ronald Van Spaendonck (clarinette)
Jean-Marc Fessard (clarinette et clarinette basse)
Eliane Reyes (piano)

Septentrion | Enigma | Labyrinthes | An Awakening | Palimpsestes | Trois Croquis | Samarkand | Homage to Fibonacci | Soleil bleu

Label : Dux

Avril-mai 2007 – Crescendo Magazine n°87

CRITIQUE DU CD ENIGMA – LYSIGHT
Michel Lysight : album « Enigma ».

MICHEL LYSIGHT (né en 1958) – ENIGMA : Jean-Marc FESSARD (clarinette), Ronald VAN SPAENDONCK (clarinette), Eliane REYES (piano)
2006-DDD-73′ 03 »- Textes de présentation en français, anglais et polonais – Dux 0531

Ce CD regroupe neuf partitions de chambre du compositeur et chef d’orchestre belgo-canadien Michel Lysight qui est l’auteur à ce jour d’une septantaine d’oeuvres et qui est professeur au Conservatoire royal de Bruxelles. En dehors de Palimpsestes, une oeuvre destinée au piano, elles sont toutes écrites pour la clarinette -tantôt la clarinette seule (Labyrinthes), tantôt la clarinette accompagnée du piano (Septentrion, Trois Croquis, Samarkand et Soleil bleu), tantôt encore la clarinette accompagnée de la clarinette basse et du piano (Enigma et An Awakening…)

Isabelle Françaix